Taxing Times

Now my advice for those who die,
Declare the pennies on your eyes.
‘Cause I’m the Taxman,
Yeah, I’m the Taxman.

And you’re working for no one but me.

—From “Taxman” by The Beatles

For the March Art Poll By Bob, I asked you to rock out and answer the following question, “Which of these famous statues of antiquity makes you get all old school?” You picked the Nike of Samothrace (3rd century BCE) over Laocoon and his Sons (2nd or 1st century BCE) 17 to 16. Dying Gaul (3rd century BCE) came in third with 10 votes, just ahead of the Venus de Milo (2nd century BCE) with 9. The Barberini Faun (3rd century BCE) held fifth place by itself with 5 votes, while Antinous Mondragone (130 CE), Apollo Belvedere (4th century BCE), Belvedere Torso (2nd century BCE), and Farnese Hercules (3rd century CE) shared a four-way tie for sixth place with a single vote each. Satyr or Faun of Praxiteles (2nd century BCE) brought up the rear with 0 votes. Thanks to everyone who played along.

For April, in honor of the United States looming tax return deadline on April 15th, I’ve decided to ask the following question, “Which of these following money- or tax-related works brings you the most to account?”:


Hieronymus Bosch. Death and the Miser (1490s).

Caravaggio, The Calling of Saint Matthew (1599-1600).

Lucas Cranach the Elder. Christ Drives the Usurers out of the Temple (1517).

Albrecht Dürer (attributed). Of Usury, from Brant's Stultifera Navis (the Ship of Fools) (1494).

John Leech. Ebenezer Scrooge and the Last of the Spirits from Charles Dickens's A Christmas Carol (1843).

Quentin Matsys. The Moneylender and his Wife (1514).

Rembrandt. Christ Driving the Moneychangers from the Temple (1626).

Niels Larsen Stevns. Zacchaeus (1913).

Thomas Sully. Shylock and Portia from Shakespeare's The Merchant of Venice (1835).

Paul Vos, The Tax Collector (1543).

No complicated forms, W2s, or math involved—just sum up the energy to pick your favorite. Unlike the IRS, I’ll even give you until the end of the month to file. Don’t be greedy, just vote for your favorite.

Paint It Black

What happens to an artist when one of their senses begins to fail? Do the other senses truly compensate? Or do they feel the agony of a door forever closed? Beethoven dealt with the seemingly crushing blow of deafness and continued to write inspiring music, including his final, Ninth Symphony, which is literally an “Ode to Joy.” When Beethoven’s near contemporary, the painter Francisco José de Goya y Lucientes, lost his hearing around 1792, he painted works better called “Odes to Despair.” Born March 30, 1746, Goya increasingly withdrew from society because of his deafness and mental instability. In 1819, Goya moved to a house known to locals as Quinta del Sordo, in English, "House of the Deaf Man," named for its previous owner, who was also deaf. Between 11819 and 1823, when Goya fled to France in self-imposed exile, Goya covered the walls of Quinta del Sordo with bizarre and macabre paintings now known collectively as the Black Paintings. The most famous of these Black Paintings, and the best preserved, is Saturn Devouring His Sons (above). Goya chose the Greek myth of Saturn, also known as Cronus, who ate his children as they were born rather than have them one day defeat him, to symbolize the self-devouring world of warfare and cruelty that surrounded him. Goya had just finished the group of etchings known as The Disasters of War, so the horror of war and the inhumanity of mankind weighed heavily on his troubled mind.

Some authorities now doubt whether Goya actually painted the Black Paintings, claiming that the walls upon which the works were painted didn’t exist in the house when Goya lived there. Several of Goya’s works are currently being reappraised as works by his hand or by the hand of one of his followers. I tend to believe the theory that Goya did paint the Black Paintings primarily on the shared sensibility of those works and the contemporaneous Disasters of War. Another Black Painting, Duel with Cudgels (above) captures succinctly the senseless struggle to the death of the world around Goya at the time. The technology that surrounds and almost sanitized warfare today hides much of the core brutality of the act of organized murder. Duel with Cudgels presents the truth in all its simple beastliness. Two men literally want to beat each other to death with sticks. Put knifes, guns, or remote controls to drone planes in their hands and the essential facts remain the same.


Saturn Devouring His Sons and Duel with Cudgels present the plain, undeniable facts of the situation. Goya’s The Dog (above), however, presents the pure, unfathomable chaos of war. A dog peaks his head up over a hill as the brownish sky dominates the image. We know nothing about the dog and the painting offers nothing. Is this dog searching for its owner, now dead? Has the canine been snacking on the remains of the fallen? We don’t know. It makes no sense, just like war itself. Goya never intended for others to see the paintings. He left them behind, expecting the next owner to destroy them. Fortunately, later owners preserved them as best as they could. In the 1870s, the Black Paintings, which were deteriorating in the house, were transferred from the walls onto canvas to be moved to the Prado, where they hang today. Trapped in the silence of his own thoughts, Goya walked the razor’s edge of madness and painted the nightmares playing in his head. Goya may never have meant for us to see them because he couldn’t bare the thought that, even after seeing them, the world would still not heed them.

Playing the Part

What must life really have been like with Vincent Van Gogh? Born March 30, 1853, Van Gogh tried the patience of everyone from his father to his devoted brother Theo to his one-time friend Paul Gauguin. Van Gogh’s tragic life can be played for pathos or even for laughs, however unintended. The best biography of Van Gogh’s life and thoughts is found in the letters, but even they have been subject to “creative” misreading, most notably in the novelization of those letters by Irving Stone in Lust for Life. In 1955, Kirk Douglas (above) played Vincent in the movie version of Stone’s novel, which was also titled Lust for Life. The highly physical actor Douglas played Vincent as a highly physical artist, full of passionate intensity and a lively body. Douglas portrays Vincent with an almost preternatural belief in his own abilities, even when doubt seems a sensible course. I find it fascinating how different actors have tackled Van Gogh over the years. In many ways, Van Gogh the film character has become the Hamlet of art history acting, with different actors emphasizing different elements of the real-life artist’s persona. Douglas depicts Vincent brimming with self-confidence. Van Gogh certainly needed to armor himself against doubt to persevere, but I don’t get the sense from the letters that he never harbored any doubts about his choices.

In 1990, Tim Roth (above) played Vincent in Vincent & Theo, with Paul Rhys taking on the role of Theo. As obvious from the title of the film, Roth’s Vincent is seen primarily through his relationship with Theo. In contrast to Douglas’ rugged portrayal, the slightly built Roth plays a more needy and literally hungry Vincent. In Vincent & Theo we get more of a sense of the weaknesses of Vincent that Theo had to address, which ultimately led to Theo’s own death shortly after Vincent’s suicide. Douglas’ Vincent is the typical hero of 1950s American movies—the bold individual paddling mightily against the current of conventional wisdom. Roth’s Vincent is a more complex psychological character, reflecting the art house sensibilities of 1980s and 1990s movies. Of course, by the time Roth plays Vincent, the story of Van Gogh’s tribulations was well worn territory, so plumbing the psychological depths, indeed the doubts that Douglas glossed over, presented almost virgin territory.


Perhaps the most disturbing depiction of Vincent Van Gogh was that of Andy Serkis as part of Simon Schama’s in Power of Art series in 2006. Fresh from playing Gollum in The Lord of the Rings movies, Serkis plays a more obsessed, more disturbed Vincent. If Douglas embodied power and Roth embodied frailty, Serkin beautifully embodies the fever pitch of all-consuming obsession. Just as Gollum loses his humanity in a single-minded quest for the ring, Serkin’s Vincent seemingly loses some of his humanity thanks to a similar kind of tunnel vision, in this case for a new vision in art. The scene in which Serkin eats paint straight from the tube (something the real Vincent actually did during his lowest points of mental illness) is simply harrowing and deeply illustrative of the anguish of the real Vincent. Each of these actors stressed a single facet of a multi-faceted personality. None of them could possibly capture Vincent whole, and even collectively they merely scratch the surface. What must life really have been like with Vincent Van Gogh? We can only guess—perhaps a little better thanks to these actors. But life with Vincent certainly must have been a constant parade of extremes. We can get a taste of those extremes through his art today, and maybe that’s all we’re meant to bear.

Fotos do Regional

Para aqueles que não poderam estar presentes no Regional do Porto ou para aqueles que querem reviver os momentos lá passados, aqui vão algumas fotos:

Os jogadores vão chegando ...

Fazem-se as trocas de última hora para completar os decks.

Óscar Batalha, prestigiado membro da Team Flygon, exibe a sua t-shirt com o brasão da mesma. Brasão feito por mim XD

Alguns jogos... (não liguem ao jogador do fundo...)

Os jogadores chegam ao balcão para saber as suas classificações.

Por hoje é tudo...

Fiquem bem e bons jogos!

João Lopes

(Strategist Manager)

Pokémon Regional Championships 2009 (Porto) - 1st place report

O sol brilha na minha cara mas o sono ainda é muito... Mal me consigo levantar...Gradualmente o sono foi sendo substituído pela emoção da proximidade do torneio! Uma hora depois chego eu à estação de Espinho com tudo pronto para partir quando encontro o Marco e o Rui, também eles prontos para jogar. Só falta o Daniel... Como sempre, adormeceu e só conseguiu apanhar o comboio das 10. Eu paguei a inscrição dele para ele poder entrar, só me devolveu o dinheiro no almoço porque quando ele chegou já íamos começar a jogar.

Para este torneio decidi trazer o deck LEGOS que já andava a testar à duas semanas. Conhecia o deck muito bem e já tinha feito a sua decklist quando tinha saído Galatic Conquest no Japão. Nessa altura dei-lhe o nome de Turbo Lock mas adoptei o nome que é mais utilizado para o deck....mesmo não sabendo o porquê do nome...
Conheço o deck muito bem e, por isso, fui bastante confiante para o torneio. É um deck difícil de jogar mas que oferece uma vasta gama de opções para qualquer situação e baseia-se nos dois melhores atacantes SP: Dialga G e Palkia G.
Não vou revelar a minha lista pois não acho correcto copiar a lista que me deu tento trabalho a desenvolver....

Aqui fica um resumo bastante breve (devido às limitações da memória...) dos meus jogos:


1ª ronda - Daniel Silva com G-Force ( ToxiTank+techs)

Já conheço o Daniel à muito tempo e é sempre bom jogar contra os amigos no torneio. Contudo, este jogo já estava um bocadinho a meu favor pelo simples facto de eu conhecer o deck dele como a palma da minha mão mas ele não fazia a mínima ideia de que é que eu estava a jogar....
Eu comecei com Dialga G mas não me parece que ele tenha ficado muito espantado com isso o que é um sinal que ele vinha preparado contra mirror ou contra decks que podessem parar o seu. A sua arma principal contra este problema era o Howchkrow: uma carta muito boa mesmo que só não entra no meu deck por ferir a sua consistência. Ao longo do jogo ele repara numa coisa que o iria mudar completamente: ambos os howchkrow dele estavam nos prémios! Eu sei como é esse sentimento mas nunca tinha acontecido a um oponente meu... Sem qualquer maneira de passar por cima dos meus Dialgas (que só foram atingidos pelo Crobat G) não sobrou muito tempo até que levantasse os 6 prémios.... Mesmo estando preparado contra o Howchkrow, a vitória não me soube bem.... Normalmente o azar é meu e não do meu oponente lool

1-0

O segundo jogo começou mais ou menos da mesma maneira mas desta vez o Daniel estava munido Howchkrow. Comecei com Dialga e consegui o T1 Deafen. A partir daí foi sempre Deafen para ter tempo para o setup enquanto ele tentava a arranjar uma manera de meter o maldito corvo em jogo. Quando eu comecei a fazer alguns KO's com o Dialga G lv.x ele lá conseguiu derrotá-lo. Contudo, o Palkia estava pronto para acção e ele não teve hipótese depois dos corvos destruídos. Ele acabou por precisar de mais Crobat's e os ultimos dois estavm nos prémios. Talvez não mudasse muito a situação (não cheguei a perceber a ideia dele...) mas após mais uma vez as cartas que ele necessita nos prémios não aguentou o nervosismo e concedeu... O matchup de LEGOS contra o deck dele é quase autowin mas mesmo assim ganhar desta maneira não me fez sentir bem...

2-0

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Win : Loss
1 - 0

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2ª ronda - Tiago Neto com T1 Rampardos (com tech de Blissey)

Rampardos... Já sabia que este matchup varia muito consoante a situação: T1=Autowin;T2 Deafen= 50-50; T3 ou mais Deafen=jogo muito complicado...
No primeiro jogo olho para a minha mão inicial e vejo Dialga G e Cyrus. Surge um sentimento de confiança enorme pois eu ia jogar em segundo!
Ele começa com Skull Fossil, mete energia e passa. Eu faço T1 Deafen. No turno dele ele diz-me que não pode fazer nada e passa. Eu ponho energia e Second Strike FTW! Ou seja, Dialga G donk! Nunca pensei que isto viesse a acontecer lool
Depois do jogo vim a saber que ele tinha uma Roseanne's mas que não sabia que podia usar supporters com o Deafen... Que isto sirva de lição a todos os que estão a ler isto: leiam sempre as cartas com atenção!

1-0

O segundo jogo foi stressante! Eu começo com por baixar o Mesprit no primeiro turno impedindo Powers mas ele mostra que com aquela mão inicial o Uxie não é necessário: ele baixa Broken Time-Space, Cranidos, Rampardos e energia. Eu apenas me rio da sorte dele...
Dois Pokémons foram atropelados por ele mas eu acabo por deitar abaixo o dinossauro com o Second Strike. Mais dois Rampardos vieram graças aos dois Claydols e às supporters do Tiago e mais dois bichinhos tiveram de ser sacrificados para eu poder deitar abaixo estes irritantes monsttros de uma vez por todas (os prémios que o Tiago levantou foram todos devidos aos sacrificios de mesprit, uxie e crobat...). Embora a esmagadora liderança do meu oponente, o Dialga G lv.X conseguiu causar bastantes estragados e ele resolveu meter a chata da blissey para a frente. Eu usei Deafen e quebrei a estratégia dele ao impedir os Warp Points mas tive que recorrer ao Remove Lost mais tarde para a impedir de recuar. Um War Point passa e mais carne para canhão foi oferecida. Ele só tinha um prémio... Agora tinha que levantar os meus trés sem quaisquer erros!
Usei os meus quatro Poké Turn para stall e lá consegui arrumar mais um Rampardos. Contudo, a Blissey, mesmo quase a morrer, continuava a fazer estragos no banco! Foi graças ao Pearl Breath do Palkia que a consegui matar mas ainda faltava um prémio e com apenas quatro cartas no deck ele consegui montar o último e dinossauro! Quando eu consegui arranjar maneira de me livrar dele, a segunda blissey aparece para dar cabo do meu juízo! Depois de ela estar presa à frente contra outro Dialga, ele começou a meter energias para a recuar mas graças a um pouco de sorte, consegui impedi-lo de recuar com o Remove Lost do Dialga G lv.X! Estava um pouco mais calmo e confiante agora, mas a besta chegou: o último Rampardos restava no campo sem qualquer dano e com duas cartas no deck, o Tiago tinha tempo para rebentar o meu Dialga! Ele usa Mold Breaker e prepara-se para a matança...Não tinha opções... Não me saiu nada...Tive que arriscar com Remove Lost...Era tudo ou nada!

Mais uma vez consegui tirar as duas caras que tanto precisava!!!!! Sem o segundo Mold Breaker, ele não consegue ganhar pois eu tinha duas Special Metal Energy no Dialga. Eu ataco mais uma vez com o Dialga e tiro o último prémio.

Embora todos os Super Scoop Up tenham sido coroa, estas caras no Remove Lost deram-me o jogo! De qualquer maneira foi um grande jogo. Ele teve alguma sorte no inicio...eu tive alguma sorte no fim...pode-se dizer que está justo.

2-0

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Win : Loss
2 - 0

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**Pausa para almoço**

Fomos almoçar ao Vasco da Gama...

Aproveitámos para por a conversa em dia, debater ideias, falar sobre as primeiras duas ronda e, é claro, aproveitámos para desanuviar do stress dos jogos...

Às duas e meia voltámos para a Arena onde já tinha chegado o pessoal dos outros jogos. Pouco depois o torneio continuou...

*****

3ª ronda - Ricardo ???? (não me lembro do apelido lol) com Raichu/Magnezone

Eu já odiava o Pikachu mas hoje passei a odiar ainda mais! Vou eu todo contente a fazer T1 Deafen quando reparo que aquele rato irritante tem resistência a metal! Por causa do dano do Deafen ser 0, foi difícil derrotar o Raichu que vinha a seguir. Mesmo sem Trainers e sem Powers, o Ricardo estava a Topdeckar todos os turnos! Mesmo Tirando o Raichu lv.X com o Girantina, ele voltou a topdecká-lo! Usei o Palkia para reciclar Uxies e Crobats mas foi preciso sacrificá-lo para a Dialga lv.X poder acabar com o chato do Raichu! Os Magnezones pouco ou nada fizeram...Alguns Power Spray e bastantes ataques de Dialga e Palkia foram o suficiente para os arrumar.

1-0

O segundo jogo foi rápido. Depois de ter de oferecer três prémios por causa do Agility (tanta cara seguida já me estava a por nuns nervos!) mas depois do Dialga ser derrotado pelo Thunderbolt, o Palkia limpou tudo o que aparecia à frente. Principalmente os Magnezones que sem os Powers não resistem...

2-0

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Win : Loss
3 - 0

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4ª ronda - !!!FINAL!!! - André Silva com Kingdra (com tech de Regice)

Já conheço este deck de trás para frente e de frente para trás. O André usa-o desde Setembro de 2008!!! Sei exactamente o que fazer e o que não fazer contra ele e estes conhecimentos tiveram de ser posto em prática para ganhar o jogo.

Infelizmente a final não foi o mirror de LEGOS que eu tanto esperava... O Óscar perdeu contra o André na ronda anterior e, portanto, não pôde disputar o 1º lugar comigo. Mesmo assim, a Arena assistiu para a sua finalíssima um duelo de titãs entre os dois melhores decks do formato, cada um deles usado pelo jogador que o melhor conhece!

No primeiro jogo o dado ditou o resultado. Ao começar em segundo pude fazer T1 Deafen que deixou o André de rastos! Continuei o lock baixando mesprit casualmente e alguns Power Spray nos Uxies. Ao atrasar o meu oponente consegui montar um palkia e quando tudo estava pronto arranquei com dialga a atacar! O meu aversário jogou tudo da mão e comprou que nem um louco pois ele bem sabia que tinha que aproveitar seu tempo fora do Lock. Contudo, o Dialga deixou muitos danos que garantiram que o palkia e um segundo dialga destruissem qualquer coisa que o André baixa-se...

1-0

Ao começar em primeiro o meu oponente teve demasiadas oportunidades. O lock já era inútil portanto limitei-me a tirar powers ocasionalmente enquanto tentava distribuir danos nos Kingdras. Os Palkia Lv. X e o Dialga lv.X não vieram...sem o Lost Cyclone do Palkia não podia usar os meus bichinhos irritantes para melhorar a minha situação...dei muita luta mas no final o André conseguiu tirar seis prémios mais rápido...

1-1

Comecei em primeiro neste jogo mas a minha mão dava para fazer maravinhas! No primeiro turno não podia usar trainers nem supporters mas baixei Mesprit seguido de Giratina deixando-o com uma mão demasiado curta sem hipótese de recorrer a Uxies. Ele não conseguiu fazer nada e no turno a seguir baixei o segundo Mesprit e comecei o Deafen Lock. O jogo foi longo mas controlado. O Kingdra que chegou a jogo não durou muito tempo pois o meu oponente não tinha mão para descartar...depois de usar todos os meus Power Spray nos Uxies dele, ataquei tudo o que me aparecia à frente e tirei os seis prémios antes que o meu adversário pudesse construir jogo.

2-1

Este jogo foi bastante complicado...O matchup é de 50:50 e tudo depende da corrida inicial: LEGOS ganha se fizer lock antes do Kingdra aparecer, Kingdra ganha se conseguir montar jogo antes do lock...

De qualquer maneira, tenho que dar os meus parabéns ao André Silva por uma excelente final!

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Win : Loss
4 - 0

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WINNER!!!!!


Como prémios ganhei um display de Platinum e o troféu de primeiro lugar (mais os prémios de participação...).

Concluindo, foi um grande dia cheio de grandes jogos e grandes desafios disputados entre grandes jogadores. Valeu a pena!

Melhores do dia:

-Ter ganho o Regional;
-A Team Flygon ter levado o primeiro e o segundo lugar;
-O pessoal de Espinho por ter jogado muito bem e por ter ganho em ambos os escalões;
- A companhia;
-Os jogos;
-etc...

Piores do dia:

-A confusão no final do torneio...
-O tempo que este demorou a começar...
-A impossibilidade de filmar a final...
-Todos os jogadores que não puderam vir pois foram viajar...
-hm.... e é tudo lool

Grande torneio! Só espero que a Battle Road também seja assim e, se possível, que todos os jogadores que não puderam vir apareçam!

Nada mais tenho a dizer....portanto fiquem bem e bons jogos!!!!!!!!!

João Lopes
(Strategist Manager)

F-se! "Os Que Fazem A Cultura" Em PT Parece Que Se Sujeitam Às Agendas Dos Sarilhos Pessoais Dos PM's Y Outros Ilustres.

"A palavra cultura está tão gasta que já ninguém sabe o que significa, excepto os jornalistas, que decidem diariamente, sem que o seu pulso trema, que notícias devem figurar sob essa epígrafe nos seus jornais, e não sob a de Desporto, Nacional ou Espectáculos. Suponho que, contudo, por vezes se lhes devem colocar grandes dúvidas, e na realidade a única certeza é o que relativo a livros, escritores, editores e prémios literários é sempre Cultura, o que, seja dito de passagem, é uma verdadeira pena para alguns dos que nos dedicamos à escrita: pessoalmente, nada me agradaria tanto como sair de vez em quando em alguma informação futebolística. Em todo o caso, o facto de que o que se chama Cultura ser uma das secções fixas e forçosas dos jornais é do mais significativo e também do mais preocupante, pois quer dizer que se dão por supostas duas coisas, a saber: que se vão produzir diariamente notícias relativas a esse campo, e que esse campo – e as suas notícias – vão interessar ao público em geral. Por outras palavras: os cidadãos dos países chamados ocidentais precisam da sua quotidiana ração de cultura, ou do que assim se costuma denominar na impressa.
Como acontece com tudo o que num determinado momento se considera uma necessidade, a cultura acabou por ser uma obrigação de boa parte da cidadania , até ao ponto de que, se se observar bem, as palavras ignorante e inculto quase desapareceram, como insultos, da nossa língua. O desaparecimento ou o desuso dos incultos não estão sempre relacionados com o próprio desaparecimento do tipo de pessoas a quem podem ser aplicados, mas em muitas ocasiões têm o carácter de uma abolição tácita por parte da sociedade, a qual, digamos, chega um dia em que julga inconscientemente que certas injúrias são demasiado ofensivas ou graves para serem pronunciadas, e por misericórdia renuncia a elas. Assim aconteceu com o muito popular e difundido insulto desgraçado; e assim como hoje não parece muito terrível chamar filho da puta a alguém (emprega-se muitas vezes em sentido admirativo), é curioso que ninguém se atreva a chamar a outro inculto. Incorreria em crueldade extrema, mas receio também que em imprecisão, já que o abuso do termo cultura teve como consequência (talvez o tivesse também como objectivo) a sua sempre crescente e progressiva indefinição, o seu carácter vago, o seu esvaziamento.
Em última instância, o seu desaparecimento. Nada há de tão eficaz para terminar com alguma coisa como privar de sentido e de conteúdo essa coisa, e a provar pode fazer-se com qualquer palavra: uma brincadeira de todos os meninos solitários tem sido repetir uma e outra vez um vocábulo até fazê-lo perder todo o significado, pelo menos momentaneamente. Quando a operação se faz colectivamente, e além disso não se limita a um instante perdido de aborrecimento, mas se repete diariamente, pesada e indefinidamente, o resultado é perfeito: hoje é tudo cultura e nada é cultura, ou, melhor dito, tudo e nada – qualquer coisa – pode sê-lo. Não é este o lugar para analisar em que momento histórico e por mais razões a cultura e o cultural se transformaram não já num prestígio, mas num bem simultaneamente tangível e intangível, a nível planetário. Mas no que respeita ao nosso país e datas recentes, o motivo mais aparente foi somente um grande Acto Reflexo: ocupar-se da cultura e respeitá-la parece ter-se erigido um dos mais importantes traços negadores e diferenciadores do regime ditatorial que acabou em 1975. Os políticos espanhóis tiveram especial cuidado em aparecer perante o eleitorado como homens cultos, ou pelo menos respeitadores da cultura: tocar piano, escrever versos, escutar Mahler , dissertar sobre António Machado, participar no programa Apostrophes, publicar romances, citar Lampedusa, nomear escritores para ministros, tudo isso ( e sem que me ocorra duvidar da sinceridade de tais práticas, gostos e decisões) forma grande parte do Acto Reflexo. Mas o nosso país não é um caso isolado, embora nele se junte o mencionado horror ao passado. A preocupação pela cultura é partilhada por todos os estadistas, ministros, directores-gerais e subsecretários não ditatoriais, como se essa cultura e o convívio com ela fossem a prova, a garantia, de que nos governam indivíduos sensíveis e humanitários. A cultura, definitivamente, começa por beneficiar os mais poderosos enquanto estranha desculpa, como se no inconsciente flutuasse a ideia que ninguém pode ser muito malvado, nem muito egoísta, nem muito irresponsável se ( além de amar as crianças e os animais) se dedica nas horas livres a tocar a sonata de Mozart, ler Proust ou compor odes. É sumamente curioso que o contacto com o que os artistas produzem traga consigo precisamente esta ideia de embelezamento moral, desprendimento e bom senso, tendo em conta que os artistas têm sido ao longo da história seres eminentemente despóticos, egocêntricos e dementes, como pode comprovar qualquer pessoa que se digne lançar uma vista de olhos às biografias dos mais notáveis.
O certo é que a operação repetida e colectiva de que antes falei é a perfeita forma de acabar com a cultura, na medida em que não somente é assim um conceito cada vez mais estéril e carente de conteúdo, mas, sobretudo, cada vez mais impossível de distinguir e confuso. Não se trata já de algo nítido com capacidade para admitir ou expulsar do seu seio, mas, pelo contrário, de algo tão maleável e informe que não terá outro remédio senão ir transformando-se e adaptando-se segundo o que de fora se decida que deve ser incluído no seu seio. Neste sentido, poderia pensar-se que existem uns quantos que fazem a cultura, ou, mais exactamente, que a configuram, a oferecem e a representam. Felizmente, a própria informidade a que se condenou a cultura é também a sua possibilidade de salvação: ao não ser já uma noção clara, permite e fomenta a fraude contínua, o contínuo embuste e o contínuo gato por lebre, entre outras coisas porque esses supostos fazedores não sabem sempre discernir. Digamos que neste campo tão pouco ou mal delimitado é difícil existirem funcionários infalíveis e adequadamente especializados, como é possível que existam em outros terrenos, o da economia, da agitação e da propaganda ou da polícia. Mas não por isso deixa de havê-los. Andam um pouco às apalpadelas, por vezes sem outro ponto de apoio além do gosto instável, a base menos científica que pode achar-se para medir as coisas. Ma eles existem: trata-se, isso sim, e felizmente, de uma das corporações mais anárquicas e menos organizadas de quantas pode haver nas nossas sociedades, e é constituída por pessoas tão variadas que nunca poderá existir uma política cultural coerente. Mas, não obstante, produz-se um funcionamento, cujo maior e mais prejudicial ganho é alguma coisa que implica a novidade em relação aos séculos passados, a saber-se: a totalização do gosto. O que conseguiram esses fazedores da cultura é a supressão da luta de classes e de qualquer outra luta neste terreno: conseguiu-se que o que agrada à minorias seja também o que agrada à maioria, ou, se se prefere (é o mesmo), que o que agrada à maioria seja também o que agrada às minorias. Poderíamos não acabar nunca de dar exemplos, mas basta um como amostra para cada actividade artística: Kundera no romance, Machado na poesia, Pavarotti na música, Velázques ( agora) ou Warhol na pintura.
A principal política cultural ( e ao falar de tal coisa não me refiro exclusivamente aos funcionários governamentais, mas aos críticos, aos responsáveis da secção de Cultura dos jornais, aos que dirigem programas de televisão e rádio, aos editores, às companhias discográfica, aos empresários teatrais, aos que têm galerias de artes plásticas e se dedicam à venda de obras de arte, aos comissários de exposições e também – em menor medida – aos próprios artistas) consiste, como toda a política, na realização parcial de um desejo totalitário: o desejo de que «toda a gente esteja de acordo», sem que no fundo importe muito sobre quê ou quem. O maior problema e o maior perigo, após a relativa obtenção de semelhante desígnio, é a que fica deste lado da cultura, o que cabe sob essa epígrafe, fica e cabe já ali indefinidamente, sem que as possíveis ou futuras vozes discordantes ( um artista pode ser bom e deixar de sê-lo, como as pessoas podem ser inteligentes e deixarem de exercer essa inteligência) venham a ser mais que um puro acontecimento circunstancial ou produto do ressentimento. Este facto é de uma gravidade absoluta: o lamentável não são tanto as fraudes, embustes e gatos por lebre antes mencionados, pois houve-os sempre, mas a quase impossibilidade de os desmascarar uma vez que foram elevados à categoria de Cultura; a impossibilidade, pelo menos, durante a vida desses embustes, isto é, enquanto continuem a emitir e a produzir. Talvez por isso esta época é a menos exigente de quantas são recordadas, a que mais permite e aplaude a repetição da obra, a própria cópia e entorpecimento dos artistas, os quais, por uma espécie de um não promulgado decreto, parecem dispor de um lugar vitalício e seguro, depois de terem ficado oficialmente do lado do que é Cultura. Num terreno tão movediço e variável, alcançou-se uma estabilidade fictícia que na realidade é ancilose: vacas sagradas de literatura, do cinema, da pintura, da música, ou da filosofia continuarão a ser consideradas vitais, e a secção de cultura dos jornais ocupar-se-á delas sempre que elas espirrem, embora há lustros que não produzam um livro, um filme, um quadro, uma composição ou um tratado que tenham mérito. E, pelo contrário, outros artífices encontrarão desmedidas dificuldades para que as suas obras caibam sob a epígrafe porque o lugar, o espaço, estará permanentemente ocupado por aqueles que porventura somente uma vez, há muito tempo, o mereceram com justiça.
Seria ridículo e demagógico dizer agora que os verdadeiros fazedores da cultura são esses mesmos artistas, porque são eles os primeiros interessados no abuso e na manipulação do termo e na entronização vitalícia, nessa falta de pôr questões, nessa consagração falsificada que – aos que a conseguem tanto como aos que poderiam obtê-la: portanto, a todos – beneficia-os mais que a ninguém. O único verdadeiro fazedor que fica é aquele que, por outra parte, sempre foi o mais importante, somente que na nossa época é-o mais ainda: o tempo, que é o que os homens não podem dominar depois de mortos."
Javier Marías, Paixões Passadas, “ Os Que fazem a Cultura”, Relógio D’ Água

F-se! Parece que O Sócrates - tal qual Político Espanhol antes de 1975 - se Encosta à Cultura, como "Tábua de Contaminação" da Imagem que dele vamos fazendo... à justa medida da novas que dele se sabem y se fazem saber.

PS.: O Texto do Javier Marías - digamos - contextualiza a atmosfera global das coisas a que a palavra Cultura empresta a Capa. Este Artigo de Jornal espanhol, já com 20 anos, não deixa de cada vez mais ganhar consistência. Y reforçamos: lastimavelmente para nosso empobrecimento.

Photo Succession

Pioneering photographer Alfred Stieglitz justly gets credit for first exposing many of the great European artists of the turn of the twentieth century to America by exhibiting them in his Little Galleries of the Photo-Secession, later know more simply by its street number—291. Cezanne, Matisse, Picasso, Rodin, and others can trace their influence on American art to exhibitions at 291. What many people forget, however, is that another pioneering photographer, Edward Steichen, introduced those artists to Stieglitz. If Stieglitz gave birth to modernism in America, then Steichen played the midwife. Born March 27, 1879 in Luxembourg, Steichen came to America at the age of two and became a naturalized citizen. For the young Steichen, photography was just one of the arts that intrigued him. The very art of photography at that time still tried to play by the rules of painting rather than boldly create a visual language uniquely suited to itself as a medium. Steichen’s 1902 Self-Portrait with Brush and Palette (above) shows just how enslaved Steichen remained to painterly convention, identifying himself in this self-portrait as a painter through the medium of photography. Steichen’s painterly eye, however, served him well in creating his own vision while capturing the essence of the visions of others.

The paradox of Steichen’s portrait of Rodin, also known as “The Thinker” (above, from 1902), is that you can see almost nothing of Rodin’s face but you still get a sense of the deep thoughts of the man. Despite the hazy, almost Impressionist atmosphere, Steichen conveys the clarity of Rodin’s art and its basis in deep thinking about the human condition before fashioning it in sculpture. Just as he chose to portray himself with brush and palette in his self-portrait, Steichen shows Rodin with one of his sculptures. The man and his work are inseparably linked. Sadly, the link between Steichen and Stieglitz shattered over philosophical differences pertaining to the mission of 291. Steichen began working in a more commercial vein, creating iconic portraits of Greta Garbo and other celebrities that went beyond glitz and attempted to capture the psychological truth of the sitter. Stieglitz continued to pursue the painterly style they had shared while Steichen evolved and looked for new directions in photography.

Steichen served as a documentary photographer in both World War I and World War II. In 1947, Steichen essentially retired as a working photographer to become the Director of Photography at the MoMA, establishing the preeminent photographic collection in America. The MoMA’s Department of Photography is today named in Steichen’s honor. In 1955, Steichen curated an exhibition of more than five hundred photos from sixty-eight countries titled The Family of Man. After seeing two world wars, Steichen sought to unite the world through photography, the most democratic of art forms technologically. At heart, Steichen always remained a painter, and a lover of painters. Steichen’s Henri Matisse and “The Serpentine” (above, from 1909) oddly shows Matisse with sculpting rather than painting, but Steichen knew Matisse well enough to know that Matisse’s sculpture informed his painting and gave it its soul. In many ways painting gave Steichen’s photography its soul, too, even after he put aside brush and palette.

When Irish Eyes Are Smiling

In a daring move that tops anything ever attempted by prankster artist Banksy, an Irish artist not only created two crude, nude portraits of Brian Cowen, the current Taoiseach (or Prime Minister) of Ireland, but walked into the National Gallery of Ireland and the Royal Hibernian Gallery and hung them on the walls! (A detail from one of the portraits, showing Cowen sitting on a toilet with toilet paper in hand, appears above. You can see another edited version of the second portrait, showing Cowen holding a pair of underwear, here.) A 35-year-old schoolteacher named Conor Casby has been charged with placing these odd tributes next to more respectful portraits of prominent Irish figures such as Michael Collins, William Butler Yeats, and, of course, Bono. Whether the charges against Casby will actually stick remains a question as he didn’t steal or damage anything, other than the public perception of Cowen, which was already fairly low.



Cowen (shown above, clothed, mercifully) has become a popular whipping boy in Irish politics since becoming the Taoiseach in 2008. The artist mocked Cowen further in the caption he added beneath the painting: “Brian Cowen, Politician 1960-2008. This portrait, acquired uncommissioned by the National Gallery, celebrates one of the finest politicians produced by Ireland since the foundation of the state. Following a spell at the helm of the Department of Finance during a period of unprecedented prosperity, Brian Cowen inherited the office of Taoiseach in 2008. Balancing a public image that ranges from fantastically intelligent analytical thinker to Big Ignorant F***er from Offaly, the Taoiseach proves to be a challenging subject to represent.” The portraits reportedly hung for an hour before guards noticed their unseemly presence. Art dealers are already speculating at the cost that these two “Portraitgate” paintings will bring at auction.

It’s moments like this that make be proud to be Irish. It’s much funnier than throwing a shoe.

[Many thanks to Dave, who tipped me off to Portraitgate and convinced me that I had to do something on it.]

In the Cards

One of the most daunting challenges for anyone wanting to know more about art is deciding where to start. What are the best books to read? Who are the artists you need to know? What paintings should you know first? Masterpiece Cards rides to the rescue of students and art lovers everywhere with their concise collection of 250 cards featuring the greatest paintings from the Renaissance to the 1960s. Masterpiece Cards took forty books on art history and combed their 17,000 pages for the names of paintings from that time span. They collected those names in a database and picked out the 250 works appearing the most often, thus generating a list of greatness as fair as any other. With beautiful quality reproductions and informative text on the rear, each card is a short lesson in art history.

For anyone familiar with art history, these cards will seem like mementos of old friends, such as David’s Oath of the Horatii (above, from 1784). On the reverse, text from one of the references used gives useful insights into the work and its place in the course of art history. A color-coded system at the top indicates where each painting is located, so if you’re headed to France, just grab those marked “France” and let the adventure begin. For students, these make the ultimate “flash cards” of art appreciation class. The information on the back allows you to arrange them in any order you wish—chronologically, nationally, or simply by artist. The text-free fronts will help those using the cards to build up a visual memory of the greats.

Masterpiece Cards has done a great job of avoiding many of the pitfalls of list-making in art. (A full list of the 250 paintings appears here.) Limiting the time frame from the Renaissance to the 1960 means saying no to Giotto, sadly, but also means steering clear of the Damien Hirsts of the contemporary scene, which seems like a fair trade to me. To avoid having a Picasso or Van Gogh take up too much space with their many masterpieces, Masterpiece Cards limited each artist to no more than three masterpieces. Although they’ve culled their choices from long-revered backbreaking tomes such as Janson’s, Arnason’s, and Gombrich’s histories, Masterpiece Cards avoided the trap of sexism, making sure to include obvious (such as Mary Cassatt) as well as not so obvious (the undervalued Helen Frankenthaler) female artists. The choices center almost exclusively on American and European artists, but that reflects the reference books more than any bias on the card-makers’ part, I believe. For better or worse, these cards should work with art history education first and foremost, building the foundation that the student can later tear down as they explore further the art of women, minorities, and non-Western cultures.

Most students today might prefer the easy access of online searches, but, just as e-books can’t replicate the satisfaction of their paper ancestors (at least in my opinion), there’s something satisfying with having these cards in hand. I remember growing up as a kid and having my parents give me the sample Time-Life cards that used to come in the mail to entice you to buy the whole set of cards offering all that is known on the animal kingdom, world history, etc. Ever the inquisitive kid, I used to marvel at those scraps of knowledge, even if the pudu or Council of Trent seemed like lonely facts separated from their laminated brethren. To flip through these cards, handle them, and rearrange them provides the ultimate initial hands-on experience for the young mind soaking in these images and ideas for the first time. As both a educational tool and source of entertainment, Masterpiece Cards are the real deal.

[Many thanks to Masterpiece Cards for providing me with some sample cards for review and for the images above.]

My Kingdom for a Kiss

It’s never over, my kingdom for a kiss upon her shoulder
It’s never over, all my riches for her smiles when I slept so soft against her
It’s never over, all my blood for the sweetness of her laughter

—From “Lover, You Should Have Come Over” by Jeff Buckley

A big bouquet of flowers (above, Van Gogh’s Irises in a Vase, from 1890) to the amazing Annie, who celebrates her birthday today. I’d still give my kingdom for a kiss upon her shoulder, even if my whole world wasn’t already linked with hers. You bring more beauty to my life than any other artist, Baby. Love you, Sweetie.

American Original

For Americans with an historical awareness of the visual roots of our culture, the Saturday Evening Post is the mother lode of lore. The look of our celebrations, from Mother’s Day to the Fourth of July to Thanksgiving to Christmas to New Year’s, all seemingly took their cue from the Post. And no artist’s name is linked with the Post’s power to shape the American psyche as is that of Norman Rockwell. Yet, the Post influenced society well before Rockwell’s first published cover in 1916 thanks to a Rockwell’s predecessor—J.C. Leyendecker. Born March 23, 1874 in Germany, Leyendecker came to America with his family at the age of eight in search of a better life. Leyendecker not only lived the immigrant’s American dream, but also gave it visual life. In December 1907, Leyendecker painted New Year's Baby 1908 for the Post (above), beginning a tradition of New Year’s Baby covers that would extend into the 1940s, when even the New Year’s Baby would join the war effort and take a swing at a surreal swastika beside him. Symbols such as the Baby New Year seem so timeless to us today that it’s important to recognize the people such as Leyendecker who created such enduring images.

As a native German, Leyendecker must have absorbed many of the Christmas traditions of Germany that he and so many other immigrants brought over to America. We like to think of Christmas as a Victorian and Dickensian creation, but the real roots of modern Christmas traditions reach back to Germany, the homeland of Queen Victoria’s beloved Albert, whose death gave birth to the Victorian Christmas through Victoria’s great grief. When you look at Leyendecker’s Christmas covers for the Post, such as Santa's Lap (above, from 1923), it’s easy to think that he’s borrowing from Rockwell, unless you realize that the time line works the other way around. Rockwell certainly belongs in the upper echelon of great American illustrators and created his own share of original characters, but when it came to Christmas and many other bits of Americana, he often followed the lead of Leyendecker. Leyendecker created much of the visual language of Americana to which Rockwell later gave his unique flavor.


In addition to the Post, Leyendecker illustrated books and enjoyed a lucrative career in advertising. Leyendecker’s advertisement for Kuppenheimer’s men’s clothing (above, from the 1920s) shows the dapper look of the Roaring Twenties with fascinating unreal touches such as the lithe nymph clad in gossamer and the cherub above the young man’s head. The lady and cherub recall Leyendecker’s fascination with the Art Nouveau works of Alphonse Mucha that Leyendecker encountered as a young student in Paris. Today, many people search such advertising for hidden clues to Leyendecker’s homosexuality, imagining that the women fawning over the devastatingly handsome men in their sartorial splendor are actually “self-portraits” of Leyendecker. Leyendecker lived the raucous life of the Roaring Twenties and suffered the agony of the subsequent Crash of 1929 and the Great Depression. Leyendecker’s 1943 Baby New Year fighting the Nazis was his last cover for the Post. The Golden Age of American Illustration had passed, leaving only enough work for stars such as Rockwell. Leyendecker died in 1951, at the beginning of a decade that embraced Americana like no other had before, but with the name Rockwell rather than Leyendecker as their chief mythmaker.

Separate but Equal

Aaron Douglas (American, 1899-1979). The Prodigal Son in God's Trombones: Seven Negro Sermons in Verse by James Weldon Johnson, 1927. Lithograph, lettering by C.B. Wells, New York: The Viking Press, 8 ¾ x 6 ¼ in. (22.2 x 15.9 cm). Amon Carter Museum Library, Fort Worth, Texas, (IB) NC959.D67 G6 1927

Like so many neat shorthand terms, “Harlem Renaissance” both encapsulates a time and spirit while inadvertently distorting and constraining it. “The more we learn about the Harlem Renaissance the more elastic it needs to become as a conceptual category,” argues Mary Ann Calo in “The Harlem Renaissance in Theory and Practice,” one of the several enlightening essays in the catalogue (edited by Alison B. Amick) to the Oklahoma City Museum of Art’s current exhibition Harlem Renaissance. Although Harlem certainly became the physical center of African-American literature, music, and art in the 1920s, the ripples of that energy spread across all of America and even reached Paris as African-American artists sought new means of expression, including the new forms of modernism, for their stories. This exhibition shows vividly how the African-American desire to forge an identity through the arts serves as a subset of a larger American cultural identity crisis. The phrase “separate but equal” still resonates with latent racism from America’s history, but in Harlem Renaissance, we see African-American artists carving out an separate artistic place for themselves but still of equal importance to the larger American dream of which they are an integral part. Like Aaron Douglas’ The Prodigal Son (above), African-American artists are embraced in this exhibition and catalogue and brought back into the fold.

Meta Vaux Warrick Fuller (American, 1877-1968). Ethiopia, 1921. Plaster full figure, bronze cast, 67 x 16 x 20 in. (170.2 x 40.6 x 50.8 cm). Schomburg Center for Research in Black Culture, Art & Artifacts Division, The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations

Amick’s catalogue, and her introductory essay, help weave together the many different threads that made up the tapestry of what we know as the Harlem Renaissance. Amick stresses the continuing influence of Southern culture on immigrants to the North. “Throughout this period, the South remained an important source of inspiration for African-American artists, who offered fresh interpretations of Southern life, religion, and folklore,” Amick writes. Also, “[c]ritics such as [Alain] Locke and [W.E.B.] DuBois urged African-American artists to explore African art as a source of inspiration,” Amick continues. Meta Vaux Warrick Fuller’s Ethopia (above) not only taps into Africa as a source, but also borrows from the modernism she encountered during her time in Paris. “This Pan-Africanist work symbolized the strength of womanhood, the emergence of nationhood, and the birth of the New Negro,” writes Theresa Leininger-Miller in “The Transatlantic Connection: New Negro Artists in Paris, 1922-1934.” In contrast, other artists, such as Augusta Savage, avoided African or African-American subject matter in their art out of fear of being reduced to a label. For many others, however, the acknowledged role of African art in the development of Cubism and other modern art movements justified the use of such traditions even more.

Palmer Hayden (American, 1890-1973). Nous Quatre à Paris (We Four in Paris), ca. 1930. Watercolor and pencil on paper, 21 ¾, x 18 1/8 in. (55.2 x 46 cm). Lent by The Metropolitan Museum of Art, Purchase, Joseph H. Hazen Foundation Inc. Gift, 1975 (1975.125) Image © The Metropolitan Museum of Art

Many African-American artists flocked to Paris not only for the greater personal freedom it offered, but also to encounter Cubism and other ideas firsthand. A “Negro colony” soon formed, including figures from all media such as Countee Cullen, Langston Hughes, Paul Robeson, and Josephine Baker in addition to artists such as Fuller, Savage, Douglas, Archibald Motley, William H. Johnson, and Palmer Hayden, whose Nous Quatre à Paris (We Four in Paris) (above) captures the camaraderie of the period. In Paris, Leininger-Miller writes, “they were transformed into New Negro artists—black modernists.” At a time when America was playing catch up to Europe in terms of modern art, these African-American artists were leading the charge. This element of Harlem Renaissance electrifies the term for a new audience. “This new emphasis on diasporic perspectives and transnational dimensions of the Harlem Renaissance,” writes Calo, “had in turn deepened understanding of Western modernism itself as transatlantic and transracial.” When American art critics scuffled to find examples of American modernism, they should have been looking to African-American artists, a fact that rewrites much of the black-and-white history of American art into subtler shades of grey.

James VanDerZee (American, 1886-1983). Untitled [Dancing Girls], 1928. Vintage gelatin silver print; Image: 5 ½ x 9 15/16 in. (14 x 25.2 cm); Sheet: 8 11/16 x 10 in. (22.1 x 25.4 cm). Spencer Museum of Art, The University of Kansas. Museum purchase: Peter T. Bohan Art Acquisition Fund, 2007.0036 © Donna Mussenden VanDerZee

The exhibition and catalogue add an Oklahoma City angle to the Harlem Renaissance through the use of photography of the thriving 1920s African-American community known as “Deep Second” or “Deep Deuce” located on 2nd Street between Central and Stiles. “The images here document a vibrant life during this period,” writes Deborah Willis in “Photography in Deep Second and the Influence of the Harlem Renaissance.” “They transcend the subjugated black imagery and force all Americans to re-examine history as they learned it.” Photographs such as James VanDerZee’s Dancing Girls (above) show a world too often excluded from standard American history texts. These photographic portraits are essentially self-portraits of African-Americans as a group in the 1920s, refusing to submit to the negative imagery still circulated by the dominant white culture and taking image-making matters into their own hands. James Latimer Allen specialized in “Portraits of Distinction” of the leaders of the Harlem Renaissance such as Hughes and Robeson, but all of these photographs distinctly define the people shown as they wished to be shown—as proud Americans deserving all the rights and responsibilities of the title.

Aaron Douglas (1899-1979). The Creation, 1935. Oil on Masonite, 48 x 36 in (121.9 x 91.4 cm). Howard University Gallery of Art

Harlem Renaissance expresses the diversity and infinite creativity of the movement not only in words and ideas but also in images. Works such as Aaron Douglas’ The Creation (above) back up the ideas of Locke and DuBois with powerful, creative, artistic action. Ever since the PMA’s 2007 exhibition of the works of William H. Johnson, I’ve been fascinated as much by his work as by the sad process of how he’s been neglected and nearly forgotten. The Oklahoma City Museum of Art’s exhibition revives the memory of Johnson and so many others with vibrant color and even more vibrant spirit. These works cry out for acceptance not through militantism but through sheer beauty. Just as Toni Morrison and others have argued long and hard for the undeniable “blackness” embedded into American literature, this exhibition of the Harlem Renaissance argues vigorously for the undeniable presence of African-American art in the course of modern art in America. To deny that fact is to deny a large part of America itself. To accept it may be the first step along making such convenient but limited terms as “Harlem Renaissance” unnecessary.

[Many thanks to the Oklahoma City Museum of Art for providing me with a review copy of Harlem Renaissance (edited by Alison B. Amick) and for the images above from the exhibition.]

F-se! As Palavras do Papa São Como As Balas!

F-se! Há Imagens Que Valem Por Mil Palavras! A Imagem Do Papa ... Quantas Balas??? Consultar os Próximos Nºs Das Estatísticas da SIDA no Continente Africano ( Y não só )...

Regional de Pokémon

Olá a todos!

Esta semana teremos o Grande, o Fantástico, o Melhor Evento do Ano!!
Sim e vai ser aqui no Porto!

* (aplausos e público todo histérico!) *

Continuando...

Não, não é o Nacional de Pokémon... mas isso nem sequer vou comentar! As pessoas já sabem qual é a minha opinião sobre o assunto...

* ( público reage com assobios e a mostrar-se desiludido) *

Bem, podemos não ter o Nacional, mas os melhores jogadores de Pokémon de Portugal são todos aqui da Zona Norte!

* ( Yaaaaaayyyyyyy!! Público em extâse!) *

Por isso, e não perdendo mais tempo, anuncio o....

Campeonato Regional de Pokémon Porto 2009!!!


* ( Yaaaaaayyyyyyy!! Público em extâse! (pela 2ª vez!) ) *

(Estes sons imaginários estão a partir tudo hoje, lol!)

Ora bem então vamos lá a descrever o evento:

No próximo sábado, dia 28 de Março de 2009, a partir das 10 horas da manhã, na Arena Pokémon Porto, teremos o Regional de Pokémon.

As inscrições serão de 5 euros por jogador.

Cada inscrição tem direito a uma carta promocional (Dragonair) e um pin do evento.
Quanto aos prémios:

Há troféus para os primeiros 4 lugares de cada escalão!

É uma peça lindíssima, com a imagem de um Dragonite!

Mas há mais! ^^

O 1º lugar de cada escalão receberá também 1 Display Box de "Pokémon: Platinum";
O 2º lugar de cada escalão receberá 18 boosters;
O 3º e 4º lugares de cada escalão receberão 8 boosters;
O 5º até ao 8º lugares de cada escalão receberão 4 boosters;

* ( Yaaaaaayyyyyyy!! Público em extâse! (pela 3ª vez!) ) *

Grande evento que vai ser!

Espero por ti!

League Leader

Kingmaker

The Van Dyck and Britain exhibition currently at the Tate Britain rightfully places Anthony Van Dyck at the origin of the golden age of eighteenth century portraiture in England, the “father” of Reynolds, Gainsborough, Ramsay, and Lawrence. Born March 22, 1599, while his contemporary Diego Velázquez – aggrandized in paint Philip IV of Spain, Van Dyck depicted King Charles I of England and Scotland to his best advantage. Sensing the increasing weakness of the Catholic Church as the Protestant Reformation dragged on, European monarch seized the opportunity to employ the fine arts for propaganda much as popes had for centuries. Van Dyck’s Charles I of England at the Hunt (above, from 1635) shows the king in all his merciless glory, celebrating the murderous hunt with a sneer. Charles I subscribed to the idea of the Divine Right of Kings, that god-given right of royalty to the throne that no earthly power could deny. Charles I fought with anyone and everyone, including his own parliament. Popularity was not a priority. Van Dyck here lavishes on the king the brilliant brushwork he learned from Peter Paul Rubens, giving the mortal king an almost mythical sheen reserved for Olympic gods. Charles I, of course, believed it was his due.

During his reign it was almost as if Charles I courted controversy. He married Henrietta Maria of France, a Catholic, over the objections of parliament and the English people, who were weary of decades of religious strife tearing the nation apart. Van Dyck painting of Charles I and Queen Henrietta Maria with Charles, Prince of Wales and Princess Mary (above, from 1632) stood as a big middle finger to the country. Charles I set Van Dyck up as the official court painter and provided him with a studio close enough that the royals could walk back and forth from their regular sittings. Van Dyck became absurdly rich by the standards of artists of the time and even scored a knighthood for his work. Soon the appeal of being painted by Van Dyck spread to the rest of English nobility and Van Dyck became the go-to artist for those looking to immortalize their social standing.


Making Charles I look good was literally a tall order. To create the illusion of grandeur for a king that stood less than five feet tall, as Charles I did, Van Dyck resorted to many tricks, the most notable of which was the equestrian portrait. Van Dyck’s Charles I on Horseback (above, from 1635) raises the king up while lowering the sights of the viewer. The low horizon makes us feel as if we’re standing at stirrup level, craning our neck up at a towering monarch rather than a diminutive despot. Charles I’s antics eventually led to the English Civil War and the Cromwellian Interregnum. After a series of battles, Charles I was captured and tried and literally cut down to size—headfirst. The head that Van Dyck painted over and over fell victim to regicide. After Charles II regained the throne in 1660, Charles I was canonized by the Church of England, but Van Dyck had canonized him long before.

Pokémon Platinum: Rising Rivals

Olá a todos!

Pokémon Platinum: Rising Rivals é o nome da próxima expansão do Pokémon TCG!
A nova expansão será colocada à venda a 20 de Maio e terá 111 cartas!




A colecção é dedicada aos Gym Leaders (GL) e à Elite 4 (E4) de Sinnoh!

Eis algumas imagens da nova colecção!







As imagens dos decks!



E por fim as imagens dos boosters!



Mais uma colecção que promete! ^^

League Leader